鈴木版「くるみ割り人形」の誕生

２０１２年にバレエ団が初演した鈴木稔版「くるみ割り人形」もこれまでになかった演出と振付で話題になりました。どのようなきっかけでこれを作ることになったのですか。

僕はかなりアバンギャルドでマニアックなものを作るのも大好きで、そちら側の作品に高い評価を与えてくださる方々もいらっしゃる。ちょっと乱暴な言い方ですが例えるなら「左手側」の作品。しかしそれらはごく限られた範囲で、幅広い観客層に見ていただくというのは少々無理がある。そこまで専門的な知識を必要としない作品、例えば一般的なグランドバレエにしてもこの域を出ない場合があります。バレエ団が近年はじめた「小中学校や養護施設などでバレエを見てもらう」という文化庁からの委託公演をするようになって、それをより強く感じました。大都市からちょっと離れた環境にあるそれらの場所で「バレエを生で見た事がある人は居ますか？」と聞いても、大して手は挙げてもらえない。

それは地方で？

東京でもあまり状況は変わらない。子どもたちが一生のうち何回バレエを見るかわからないけど、バレエの楽しいところ、見やすいところを凝縮した分かりやすいバレエを作ろうと。バレエを身近に親しんでもらうために、例えば生のオーケストラのコンサートで、小さなスペース、短い時間で全幕バレエを見てもらうとか。学校での公演も含めてこちらは「右手側」の作品と言えるかと。

そうですね（笑）、一番突っ込めるかも。

掘り下げていけばいくほどわけがわからなくなる（笑）。バレエの原作のおどろおどろしいところからスタートして、やれコッペリアの砂男とか、ホフマン物語のいわば錬金術の時代、科学と魔法の端境期みたいなところから、無から有が出てくるという背景がある。でもバレエでは、なぜお菓子の国に行くだろう、と。

いわゆる古典の“くるみ”では、1幕と2幕がまったく違ってしまうという流れですね。

バレエ団はピーター・ライト版の「くるみ割り人形」も上演させていただきましたし、僕もそこからたくさん勉強させてもらいました。しかし西洋ではやはりクリスマスは特別な行事で、彼らの宗教感とも密接している。いわゆる古典は僕ら日本人からすると違和感とまではいかなくても、なんだか不思議な感じがする事がある。流れが違うなと感じても、あまりつっこまない方が良いのかなということもある。同じピーター・ライト版「ジゼル」もバレエ団のレパートリーですが、その中で母親ベルタはおそらくジゼルと同じように貴族にだまされて娘を生んだのであろう、だからアルブレヒトに対してはジゼルの父親と同じ匂いがあるので彼を警戒する、という解釈と演出があります。これによってストーリーがとても骨太になる。バレエにとって必然が一番大切なことではありませんが、観客に分かりやすく親しみやすくと考えると、こんなふうに改訂演出してみるのも良いのかと思います。

振付家は水槽に水を張るだけ、ダンサーはそこで泳げばいい

鈴木版では、まずクリスマスの市が立つ広場が舞台で、クララの夢では、彼女がドロッセルマイヤーの持っている人形芝居の小屋に忍び込む。雪片の踊りもコンテンポラリー風で。スターダンサーズ・バレエ団らしい独自性を打ち出して、ダンサーたちの資質がとても生かされていました。

もともとスターダンサーズバレエ団は上演作品に対して、適材のダンサー達をバレエ団の内外を問わず出演させるというスタイルでした。ここ２０年はバレエ団所属のダンサーたちも育ち、僕の作品も多くなってきました。作品に人を当てはめるだけではなく、人材を生かした作品も作れるようになりました。例えば「ドラクエ」もそうです。先ほどの「左手側」の作品に強いダンサーたちも居て、だからくるみの雪片の踊りもああいう踊りになりました。また新しいダンサーたちが増えてきましたので次回作にも影響があると思います。

正式にバレエを始めたのは18歳

もともとはお母様がバレリーナで、お父様も舞台の制作関係で、舞台芸術の雰囲気があふれた環境で育ったんですね。

あふれていたけど、ある時期までイヤで拒否をしていて。甘ったれで母をバレエにとられちゃうという、情けない一人息子でした。父親については寝顔しか見たことがない、朝は寝てる、夜中しか帰ってこない、と。屈折しますよね（笑）。

レッスンはいつから始めたんですか？

ちゃんと始めたのは18歳です。あまりにもバレエが身近すぎたんですね。物心つくまでは踊っていましたが、でも聞かれるとマイナス７ヶ月からやっていたって答えていました。（笑）

今は、男の子が踊るのを新聞もテレビも紹介してくれますね。

バレエだけじゃなく、80年代後半からはマイケル･ジャクソンみたいな存在も大きかった。かっこ良く踊るっていうところを示してくれましたから。

それ以前は男の子が踊ることに抵抗を持つ人がけっこういましたものね。18歳でバレエをやろうと思ったのは、踊りの良さを見いだしたということですか？

単純に何をやっていいかわからなかったんですね。それで、さあ高校が終わる、なんか働かなきゃいけないんだろうなと漠然と思っていて、で、はじめは裏方なんです。おやじの仕事のほうがおもしろくなっちゃった。

舞台は自分が楽しまなければできない

海外にも行ってらっしゃいますね。

ニューヨークのチェンバー･バレエ団とコロラド･バレエ。小林先生にはロイヤルスタイルで教えていただいたけど、どうも踊りたいと感じたのはそっちのほうで、不義理をして飛び出して行きました。３日でしっぽ巻いて帰ってくるか、３年もつかといわれて、３年になった。それは大きな体験でした。

行きたいと思われた一番の理由は何ですか。

僕の頃は同い年でバレエやっている男子は、坂本登喜彦とか樫野隆幸とか５人しかいなかった。いいことも一杯あって、谷先生とか友井先生、松山先生という大先生の方々に可愛がっていただきました。でもそこから逃げたくなったんです。たいしてうまくないのに期待値だけは大きくなるし、ハッタリだけで舞台に立ってましたし（笑）。自分の実力はどれぐらいなんだろう、まったく僕の舞台を見たことがない人たちの前で踊るとどう評価されるんだろうという思いがありました。

アメリカでの経験で、今、ご自分で生かしていることはありますか？

一番はやっぱりプロとしてやるっていうことですかね。僕のこと何も知らないお客さんにストレートに喜んでもらえることがありながら、最初は自分が日本人だからストイックにやっていた。でも、君を見ているほうが緊張してしまうからやめてくれ、それじゃつまんないって言われて（笑）。もちろん舞台は自分が楽しまなければできないんですが、僕はシンフォニー踊るにはまじめにやらなければと思うわけです。一方でバレエはパフォーミングアーツだから、今日のショウは何時からって言い方をする。それでああ、ショウなんだ。それを芸術として感じる人もいれば、エンターテイメントとして感じる人もいるということで舞台は成り立っているんだな、と。自分が楽しむと言っても手を抜いてヘラヘラするということではなくて、楽しんでもらう立場の人が楽しそうでなければ、見る人たちは楽しめないということでしょうか。

答えを見つけたフランクフルト

鈴木先生の経歴はユニークですね。バレエ環境にお育ちなのに、一直線ではないという点で。

僕には踊りの神様が三人いるんですけど、一人はジョージ・バランシン、もう一人がウィリアム･フォーサイス、そして植木等さん。

植木等さんといえば「スーダラ節」の。

そうなんです。子供の頃クレージーキャッツの映画が大好きで、その音楽をかけて自宅の稽古場で踊って遊んでいたんです（笑）。むちゃくちゃなノリの、エンターテイメントのなかでのダンスですよね。ノリで体を動かす、踊りの原点を教えてくれた人。バランシンはいわずもがなで、バレエをひとつの極限まで引き上げた人。そしてフォーサイスさんはその極限をさらに膨らませ、さらにははみ出した人。

植木さんというのもやっぱりユニーク。なにごとも、これまでを打ち破って新しいものをつくるのはすごく大変なことで。発想やインスピレーションはどこから得るのでしょうか。

アイディアは常に身の回りにあるいろいろなことに目を配っていれば、気づくチャンスに恵まれると思います。ですからいろいろなものに興味を持つようにしています。でも発想やインスピレーションは突然どこからかやってくるものなので僕にも分かりません。クラッシックバレエには型（かた）や決まり事がありますよね。これはいわば多くの人が共通意見として「美しい」「心地よい」というものなんだと思います。ですからこれらに逆らっても無駄なんだという思いがずっとありました。バレエは奇麗か楽しければ良いと。しかし一方でそれにはストレスも感じていました。バレエ以外の踊りや日常所作、いわゆるバレエらしからぬ動きとのコンビネーション。これら自分の発想やアイディアを盛り込むと、しばしばこの「逆らう行為」に
なってしまっているのではないか？そんな疑問を持つようになってしまいました。９７年から９８年くらいにかけてとても悩んでしまい、振付けを含めバレエに携わること自体に疲れて、もう辞めてしまおうと思ったことがありました。そんな時期に縁があってフォーサイスさんのところに行かせていただける事になりました。９９年から２０００年にかけてフランクフルトバレエに関わって、フォーサイスさんの仕事を見ていると「ああ、なんだそんなことにとらわれなくて良いんだ」と。

新たな出会いと発見の年ですね。

はい、そうですね。構成力も構築力もあったうえで、それを全部ひっくり返しちゃって、その結果の一番いいところだけをもってくる技法はありなんだ、と。

大好評の作品に「デジメタ・ゴーゴー」というのがありますが、あれはどのようにつくられていったんですか。

Degi Meta go-goはフランクフルトに行く前の悩んでいた時期に「KATSUO NISILAGA」という名前で初演しました。スタートはサザエさん一家の話で曲もモーツアルトでした。装置は舞台奥にエスカレーターを置こうとか、今のスタイルとは全然違うものでした。

大切なのは、バレエに対する誠実さ、いかにまじめに振付家を裏切るか

今、スター・ダンサーズバレエ団は、先生がたのご指導がさらに行き届いていて充実しているのを感じます。これまでの蓄積のうえにいっそう磨きがかかってダンサーたちがほんとにきれいですね。舞台の上から観客に見せるんだという意識が伝わってきます。ダンサーに求められることはありますか。これからスターダンサーズ・バレエ団を目指す人も増えるでしょう。

バレエに対する誠実さが一番大切だと思います。テクニックを習得することも大事ですが、そのテクニックで何が表現できるのかを考える事が重要です。あとは、いかにまじめに僕を裏切ってくれるかということを期待しています。